7月26日，艺术家范钟鸣个展“木构画”在上海春美术馆开幕。展墙上，一块块被切割成大小不一、长短各异的木料，经由艺术家的拼接、堆叠与彩绘，生长为一种介于浮雕与绘画之间的独特存在。
这些木材本是工作室装修后剩下的“废料”——质地优良，却已按照工程需要被切割成工业规格。面对这些标准化了的剩余物，范钟鸣却看到了创作的可能。“我早年当过钳工，现在做木工。”他笑言。16岁起6年的钳工经历，赋予了他驾驭材料的动手能力与空间直觉。凭借这份手感，他将各种木块搭配组合，再施以色彩涂鸦绘制，创造出了“木构画”这一不同以往的绘画形式。
一定要凑近看，才能发现“木构画”的魅力与特别之处
木构画的诞生并非偶然，它可以追溯到30多年前范钟鸣在纽约期间。彼时，他摒弃了单纯用笔描绘深度空间的传统方式，开始尝试用透明工业薄膜替代画布，让观众透过表面图像直接看到作品所能达到的空间深度——在保持平面绘画的同时，引入真实的物理空间。此番展出的十六幅纽约时期作品中的三幅，便呈现出一种静谧、素朴而神秘虚幻的气质。
这一探索方向，在其后的创作中不断深化。范钟鸣谈到了20世纪60年代末70年代初兴起于日本的艺术运动“物派”（Mono-ha）对自己的影响。物派也是唯一被写入西方现当代艺术史的亚洲艺术流派。始自关根伸夫1968年的《位相—大地》——在地上挖出一个深坑，再将挖出的泥土塑成圆柱矗立一旁——被广泛认为是物派运动的起源。
物派艺术家大量使用未经加工的木、石、土等自然材料，尽可能避免人为加工的痕迹——但他们的目的并非凸显物质本身，而是关注物与物之间、物与空间之间的相互关系。他们将空间也作为作品的因素之一来考虑，以此揭示自然世界的存在方式。
正是在日本旅居期间，范钟鸣放弃了内容为先的绘画方式，转而探索新的艺术形式与语言。物派启发他去思考：架上作品不应仅仅依靠画面的幻觉与错觉来获得观看体验，它本身也是切实存在着的实体。
在木构画中，范钟鸣用着色的木板构件造形，让纵横交错的木料带领观者的视线穿梭于作品空间之中。“一方面使观者能够实实在在地感受到作品的立体感，另一方面，木的纯自然形态也给作品注入了天然的活力。”他说。而涂在树枝上的鲜艳色彩，则在心理上暗示观众——这些作品与绘画有着割不断的联系。
塑料薄膜覆盖着的木构
布展现场
“弥漫在木条的空间其实就是我的看不见的画布。”范钟鸣说。那些标准化切割的剩余木料，在范钟鸣手中不再是被动呈现的“物”，而是与空间、与色彩、与观者视线共同构成一种关系的介质——重要的不是材料本身，而是材料与空间、与人的感知之间所建立的那种微妙而真实的关系。
展览将持续至8月11日。
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